CAPÍTULO 15 - Cada instrumento no seu lugar

Os primeiros passos da mixagem

Objetivo do capítulo

Mostrar que mixar uma música não significa apenas aumentar ou diminuir volumes.

Mixar significa organizar os sons para que cada instrumento tenha seu espaço, sua clareza e sua função dentro da música.

Mais uma vez, não começaremos pela técnica.

Começaremos por uma experiência que qualquer pessoa já viveu.

Abertura do capítulo

Você já tentou conversar com alguém em um lugar muito barulhento?

Imagine uma festa.

As pessoas conversam ao mesmo tempo.

A música está alta.

Há risadas por todos os lados.

Mesmo estando próximo de alguém, às vezes fica difícil entender o que essa pessoa está dizendo.

Agora imagine uma sala tranquila.

As mesmas duas pessoas.

A mesma conversa.

Mas, desta vez, sem ruídos ao redor.

As palavras ficam muito mais claras.

A comunicação acontece naturalmente.

Com a música acontece exatamente a mesma coisa.

Quando muitos instrumentos ocupam o mesmo espaço ao mesmo tempo, o resultado pode parecer confuso.

Não porque os instrumentos sejam ruins.

Nem porque os músicos tenham tocado errado.

O problema está na organização dos sons.

É justamente nesse momento que entra uma das etapas mais importantes da produção musical:

a mixagem.

Talvez você imagine que mixar seja uma tarefa reservada apenas aos grandes estúdios profissionais.

Na verdade, você já começou a fazer pequenas mixagens muito antes de conhecer esse nome.

Sempre que aumentou o volume de um instrumento porque ele estava baixo demais...

Sempre que diminuiu outro porque estava chamando atenção em excesso...

Sempre que escolheu deixar a voz mais evidente...

Você já estava tomando decisões de mixagem.

Neste capítulo, você descobrirá que mixar não é apenas mexer em controles.

É aprender a fazer com que cada instrumento encontre o seu lugar.

E, quando isso acontece, a música deixa de parecer um conjunto de sons separados.

Ela passa a soar como um único organismo.

15.1 O que significa mixar?

Imagine uma fotografia de um grande grupo de pessoas.

Se todos resolverem ficar exatamente na mesma posição, um atrás do outro, quase ninguém aparecerá.

Agora imagine que o fotógrafo organize cada pessoa.

Alguns ficam mais à frente.

Outros mais atrás.

Alguns à direita.

Outros à esquerda.

Cada um ocupa um espaço.

De repente, todos podem ser vistos.

A fotografia continua mostrando o mesmo grupo.

O que mudou foi a organização.

A mixagem faz exatamente isso com os sons.

Ela não cria novos instrumentos.

Ela organiza aqueles que já existem.

Seu objetivo é permitir que cada elemento seja ouvido com clareza, sem esconder os demais.

Quando a mixagem é bem feita, a música parece natural.

Quando ela é mal feita, mesmo bons instrumentos podem parecer embaralhados.

Talvez você nunca tenha pensado nisso.

Mas ouvir claramente um instrumento também é resultado de uma escolha artística.

Uma pergunta para você

Feche os olhos por um instante e imagine uma banda tocando à sua frente.

Onde você imagina que está a voz?

E a bateria?

O baixo?

A guitarra?

Talvez você nunca tenha percebido, mas seu cérebro já espera encontrar cada instrumento em determinados lugares.

A mixagem aproveita justamente essa capacidade natural de organização da nossa audição.

Ao longo deste capítulo, você descobrirá como utilizar essa percepção para tornar suas produções mais equilibradas, agradáveis e profissionais.

15.1 O que significa mixar?

Depois de terminar um arranjo, muitas pessoas acreditam que o trabalho está concluído.

Afinal, todos os instrumentos já estão gravados.

A melodia está pronta.

A bateria acompanha o ritmo.

O baixo sustenta a harmonia.

Tudo parece estar no lugar.

Mas basta ouvir a música com um pouco mais de atenção para perceber que ainda existe um desafio importante.

Será que todos os instrumentos estão sendo ouvidos com clareza?

Talvez você já tenha passado por uma situação parecida.

Imagine preparar um almoço especial.

Os ingredientes são de ótima qualidade.

Os temperos foram escolhidos com cuidado.

Cada alimento foi preparado corretamente.

Mesmo assim, ao servir o prato, alguma coisa parece não funcionar.

O molho esconde o sabor dos legumes.

O excesso de sal impede que outros temperos sejam percebidos.

Nada está exatamente errado.

Mas o conjunto perdeu o equilíbrio.

Com a música acontece algo muito parecido.

Cada instrumento pode ter sido gravado muito bem.

No entanto, quando todos começam a tocar juntos, alguns acabam escondendo os outros.

É justamente nesse momento que começa a mixagem.

Mixar significa organizar os sons para que cada instrumento possa cumprir sua função sem impedir que os demais também sejam percebidos.

Perceba que isso é muito diferente de simplesmente aumentar ou diminuir volumes.

Imagine uma fotografia de uma turma inteira.

Se todas as pessoas resolverem ficar exatamente no mesmo lugar, umas atrás das outras, poucas aparecerão.

Agora imagine que o fotógrafo organize o grupo.

Alguns ficam mais à frente.

Outros mais atrás.

Alguns à direita.

Outros à esquerda.

Todos continuam fazendo parte da mesma fotografia.

Mas agora cada pessoa pode ser vista.

A mixagem faz exatamente isso.

Ela organiza os sons para que cada instrumento encontre o seu espaço.

Quando isso acontece, a música parece respirar com naturalidade.

Nada chama atenção em excesso.

Nada desaparece.

Tudo trabalha em conjunto.

Talvez você esteja pensando:

"Então mixar é apenas organizar?"

Sim.

Mas essa palavra "organizar" é muito mais profunda do que parece.

Organizar significa decidir quem deve aparecer mais.

Quem deve aparecer menos.

Quem precisa ficar ao centro.

Quem pode ocupar as laterais.

Quem deve soar mais próximo.

Quem deve parecer mais distante.

Cada uma dessas escolhas influencia diretamente a forma como a música será percebida.

É por isso que duas pessoas podem utilizar exatamente os mesmos instrumentos, gravar as mesmas notas e, ainda assim, obter resultados completamente diferentes.

O que muda não é apenas o equipamento.

São as decisões tomadas durante a mixagem.

E existe uma boa notícia.

Você não precisa possuir um grande estúdio para começar a aprender tudo isso.

Na verdade, a habilidade mais importante continua sendo a mesma que você vem desenvolvendo desde os capítulos anteriores:

aprender a ouvir com atenção.

A tecnologia oferece muitas ferramentas.

Mas é o ouvido de quem produz que decide como utilizá-las.

Experimente agora

Escolha uma música que você produziu ou uma gravação disponível na internet.

Na primeira audição, apenas aproveite a música.

Na segunda, faça um exercício diferente.

Escolha apenas um instrumento.

Pode ser o baixo.

A bateria.

O piano.

Ou a voz.

Durante toda a música, acompanhe somente esse instrumento.

Pergunte a si mesmo:

• Em todos os momentos ele pode ser ouvido com clareza?

• Em algum trecho ele desaparece?

• Existe algum instrumento que parece esconder os outros?

• Em quais momentos tudo soa equilibrado?

Você descobrirá que ouvir uma música como produtor é muito diferente de ouvi-la apenas como ouvinte.

E essa nova forma de escutar será sua principal ferramenta durante a mixagem.

Caixa de Descoberta

Mixar não significa fazer um instrumento soar mais alto que os outros.

Mixar significa permitir que cada instrumento seja ouvido no momento certo, da maneira certa e no lugar certo.

Conectando com a próxima descoberta

Agora que você compreendeu o verdadeiro significado da mixagem, surge uma nova pergunta.

Se cada instrumento precisa encontrar o seu lugar, como isso acontece na prática?

Será que todos disputam o mesmo espaço?

Ou será que cada som pode ocupar uma região diferente?

No próximo tópico, você descobrirá que a música pode ser comparada a uma casa com vários cômodos. Quando cada instrumento encontra o ambiente certo, todos convivem em harmonia.

Será o início da compreensão do espaço sonoro, um dos conceitos mais importantes de toda a produção musical.

15.2 Cada instrumento precisa do seu espaço

Você já tentou organizar um armário muito pequeno?

No começo, tudo parece caber.

Mas, à medida que novas roupas vão sendo colocadas, começa a ficar difícil encontrar qualquer coisa.

As camisetas ficam misturadas com os casacos.

As meias desaparecem.

Os sapatos ficam empilhados.

O armário continua tendo o mesmo tamanho.

O problema não é a falta de espaço.

É a falta de organização.

Com a música acontece algo muito parecido.

Imagine que você gravou uma bateria, um baixo, um piano, uma guitarra, um sintetizador e uma voz.

Separadamente, todos soam muito bem.

Mas, quando começam a tocar ao mesmo tempo, a sensação pode ser completamente diferente.

Alguns instrumentos parecem desaparecer.

Outros chamam atenção em excesso.

Em certos momentos, tudo parece "embolado".

Será que isso significa que algum instrumento está errado?

Na maioria das vezes, não.

O que acontece é que dois ou mais instrumentos estão tentando ocupar o mesmo espaço sonoro.

Imagine uma sala de aula.

Se todos os alunos resolverem sentar na mesma carteira, haverá confusão.

Não porque a sala seja ruim.

Mas porque cada pessoa precisa do seu lugar.

Na música vale exatamente a mesma regra.

Cada instrumento possui uma função.

Cada instrumento precisa do seu espaço.

Talvez você esteja pensando:

"Mas onde fica esse espaço?"

Essa é uma excelente pergunta.

Quando ouvimos uma música, nosso cérebro organiza os sons de uma maneira muito interessante.

Sem perceber, conseguimos distinguir instrumentos diferentes porque eles ocupam espaços diferentes na nossa percepção.

Alguns parecem estar mais à frente.

Outros mais ao fundo.

Alguns parecem vir da esquerda.

Outros da direita.

Alguns são mais graves.

Outros mais agudos.

É justamente essa organização que faz uma música soar clara e agradável.

Imagine novamente uma fotografia.

Se todas as pessoas vestirem exatamente a mesma roupa, ficarem na mesma posição e tiverem a mesma altura, será muito difícil distinguir uma da outra.

Agora imagine que cada pessoa ocupe um lugar diferente.

Algumas estão na frente.

Outras atrás.

Cada uma veste roupas de cores diferentes.

O conjunto continua sendo o mesmo.

Mas agora tudo pode ser visto com clareza.

A mixagem faz isso com os sons.

Ela organiza cada instrumento para que todos possam coexistir sem competir.

E existe uma descoberta interessante.

Você não precisa que um instrumento seja mais alto para que ele seja percebido.

Muitas vezes, basta que ele tenha um espaço só para ele.

É exatamente isso que um bom produtor procura durante a mixagem.

Não fazer um instrumento vencer o outro.

Mas permitir que todos trabalhem juntos.

No final, quem ganha não é um instrumento específico.

É a música.

Experimente agora

Abra um projeto na sua DAW.

Ouça apenas o refrão.

Agora faça um exercício de imaginação.

Imagine que cada instrumento é uma pessoa dentro de uma sala.

Pergunte a si mesmo:

• Quem está falando mais alto?

• Quem quase não consegue ser ouvido?

• Existe alguém interrompendo a fala dos outros?

• Todos possuem espaço para se expressar?

Talvez essa pareça uma comparação curiosa.

Mas muitos produtores experientes descrevem a mixagem exatamente dessa forma.

Eles não dizem apenas que estão ajustando sons.

Dizem que estão organizando a convivência entre eles.

Caixa de Descoberta

Uma boa mixagem não faz os instrumentos competirem.

Ela cria espaço para que cada um possa contribuir com aquilo que sabe fazer melhor.

Uma pequena antecipação

Até aqui, você descobriu que cada instrumento precisa do seu espaço.

Mas esse espaço não existe apenas em uma direção.

Na verdade, ele pode ser organizado de várias maneiras ao mesmo tempo.

Imagine um palco.

Alguns músicos estão mais à esquerda.

Outros mais à direita.

Alguns estão próximos do público.

Outros ficam mais ao fundo.

Além disso, cada instrumento ocupa uma região diferente dos sons graves, médios e agudos.

Essas diferentes dimensões formam aquilo que muitos produtores chamam de espaço sonoro.

Nos próximos tópicos, você descobrirá como organizar esse espaço utilizando ferramentas simples, mas extremamente poderosas.

E perceberá que a mixagem se parece muito mais com a organização de um palco do que com uma sequência de comandos dentro da DAW.

15.3 Quem fica mais perto do público?

Imagine que você está assistindo a um show.

As luzes se apagam.

O público faz silêncio.

Pouco a pouco, os músicos entram no palco.

Quem normalmente ocupa o centro da atenção?

Na maioria das apresentações, é o cantor ou a cantora.

Isso não acontece por acaso.

Essa escolha faz parte da forma como desejamos que o público vivencie a música.

Agora imagine uma situação diferente.

O vocalista está no fundo do palco.

Atrás da bateria.

Enquanto isso, o triângulo ocupa o centro, iluminado por um grande refletor.

Parece estranho, não é?

Não porque o triângulo seja um instrumento menos importante.

Mas porque essa organização não corresponde à função que normalmente esperamos de cada elemento da música.

Na mixagem acontece algo muito parecido.

Nem todos os instrumentos precisam chamar a atenção da mesma maneira.

Alguns possuem papel de destaque.

Outros foram criados justamente para dar apoio.

É exatamente por isso que o controle de volume existe.

Muitas pessoas imaginam que aumentar o volume de um instrumento significa deixá-lo melhor.

Na verdade, quase nunca é esse o objetivo.

O volume serve para definir quanto cada instrumento participa da conversa musical.

Pense novamente em uma roda de amigos.

Existe alguém contando uma história.

As outras pessoas escutam com atenção.

De vez em quando, uma delas faz um comentário.

Outra dá uma risada.

Outra concorda com um gesto.

Imagine se todas resolvessem falar com a mesma intensidade ao mesmo tempo.

A conversa perderia o sentido.

Na música acontece exatamente a mesma coisa.

O papel da mixagem não é fazer todos os instrumentos parecerem igualmente importantes.

É ajudar cada um a cumprir sua função.

Talvez você perceba isso com facilidade em uma música cantada.

Normalmente, a voz principal ocupa uma posição de destaque.

Isso acontece porque ela conduz a mensagem.

O baixo costuma ser sentido mais do que percebido.

A bateria organiza o ritmo.

Os teclados criam textura.

As guitarras podem preencher espaços ou assumir momentos de destaque.

Nenhum desses papéis é mais importante do que o outro.

Eles apenas são diferentes.

E é justamente essa diferença que torna a música interessante.

Quando você ajusta o volume de uma pista, não está apenas tornando um som mais alto ou mais baixo.

Está dizendo ao ouvinte:

"Preste um pouco mais de atenção aqui."

Ou então:

"Agora deixe este instrumento apoiar discretamente o conjunto."

Perceba como a decisão deixa de ser técnica.

Ela passa a ser artística.

Experimente agora

Abra uma música que você produziu.

Escolha apenas um instrumento.

Aumente bastante o volume dele.

Ouça alguns segundos.

Depois diminua bastante esse mesmo instrumento.

Ouça novamente.

Por fim, encontre um ponto intermediário.

Pergunte a si mesmo:

• Em qual momento a música pareceu mais equilibrada?

• O instrumento realmente precisava aparecer tanto?

• Será que ele não cumpria melhor sua função quando apoiava os demais?

Você descobrirá que, muitas vezes, menos é mais.

Uma curiosidade

Os produtores musicais costumam dizer que uma boa mixagem quase passa despercebida.

Isso acontece porque ela não chama atenção para si mesma.

Ela faz você prestar atenção na música.

Quando tudo está equilibrado, ninguém pensa:

"Que ótima mixagem!"

As pessoas simplesmente se emocionam.

E talvez esse seja o maior elogio que uma mixagem possa receber.

Caixa de Descoberta

O volume não determina qual instrumento é o melhor.

Ele ajuda cada instrumento a ocupar o lugar que a música precisa que ele ocupe.

Preparando a próxima descoberta

Até agora, todos os instrumentos continuam imaginariamente posicionados bem à sua frente.

Mas pense novamente em um palco.

Os músicos não ficam todos exatamente no mesmo lugar.

Alguns estão mais à esquerda.

Outros mais à direita.

Essa distribuição ajuda o público a enxergar melhor cada integrante da banda.

Na música acontece exatamente a mesma coisa.

No próximo tópico, você descobrirá que também é possível organizar os sons da esquerda para a direita, criando uma sensação de espaço muito mais agradável para quem está ouvindo.

Você conhecerá uma ferramenta simples, mas capaz de transformar completamente a clareza de uma produção: a panorâmica, também chamada de panning.

15.4 Por que temos dois ouvidos?

Faça uma pequena experiência.

Feche os olhos por alguns segundos.

Agora imagine que alguém bata palmas bem à sua esquerda.

Mesmo sem olhar, você provavelmente saberia dizer de onde veio o som.

Agora imagine outra pessoa batendo palmas à sua direita.

Novamente, você conseguiria identificar a direção.

Como isso é possível?

A resposta está em algo que acompanha você desde o nascimento.

Você possui dois ouvidos.

Pode parecer uma resposta simples demais.

Mas existe um motivo muito importante para isso.

Cada ouvido recebe os sons em momentos e intensidades ligeiramente diferentes.

Essas diferenças são extremamente pequenas.

Tão pequenas que você nem percebe conscientemente.

Mas o cérebro percebe.

E utiliza essas informações para descobrir de onde o som está vindo.

É assim que conseguimos localizar uma buzina na rua, identificar a direção de uma voz ou perceber onde alguém está caminhando.

Nossa audição funciona como um sistema natural de localização.

Agora imagine ouvir uma banda ao vivo.

O baterista normalmente está no centro do palco.

O guitarrista pode estar um pouco mais à esquerda.

O tecladista fica mais à direita.

O baixista ocupa outro espaço.

Mesmo sem prestar atenção, seu cérebro organiza naturalmente essa cena.

Você não escuta apenas sons.

Você percebe posições.

É justamente essa característica da audição humana que a produção musical procura aproveitar.

Quando ouvimos música utilizando fones de ouvido ou caixas estéreo, também podemos criar essa sensação de espaço.

E é aqui que entra uma ferramenta chamada panorâmica, ou simplesmente pan.

Talvez esse nome pareça técnico.

Mas a ideia por trás dele é muito simples.

A panorâmica permite decidir onde cada instrumento será percebido.

Mais à esquerda.

Mais à direita.

Ou exatamente no centro.

Perceba que isso não altera a melodia.

Não muda o ritmo.

Não modifica os acordes.

O que muda é a sensação de espaço.

Imagine novamente um palco.

Se todos os músicos fossem colocados exatamente no centro, um ao lado do outro, a apresentação pareceria confusa.

Agora imagine que cada integrante ocupe uma posição diferente.

Instantaneamente, tudo fica mais organizado.

Na mixagem acontece exatamente a mesma coisa.

Distribuir os instrumentos entre os lados esquerdo e direito ajuda nosso cérebro a distingui-los com mais facilidade.

É como abrir espaço para que cada um possa ser ouvido.

Mas atenção.

Isso não significa que você deva espalhar todos os instrumentos aleatoriamente.

Assim como em um palco, cada escolha precisa ter um propósito.

A voz principal, por exemplo, costuma permanecer no centro.

Ela representa a mensagem principal da música.

O baixo também costuma ficar centralizado, oferecendo estabilidade.

Já guitarras, teclados, instrumentos de apoio e efeitos podem ocupar posições diferentes, criando uma sensação de largura e equilíbrio.

Perceba como tudo começa a fazer sentido.

Primeiro você organizou a importância dos instrumentos utilizando o volume.

Agora começa a organizar o lugar onde cada um será percebido.

A música vai deixando de ser uma simples gravação.

Ela começa a se transformar em um espaço que pode ser explorado pelos ouvidos.

Experimente agora

Coloque um fone de ouvido.

Escolha uma música que você conheça bem.

Enquanto ela toca, tente responder às seguintes perguntas:

• A voz está exatamente no centro?

• Existe algum instrumento que parece vir mais da esquerda?

• Outro parece estar mais à direita?

• Há momentos em que um efeito atravessa todo o espaço sonoro?

Agora abra uma música produzida por você.

Observe a posição dos controles de Pan na DAW.

Faça pequenos ajustes.

Depois feche os olhos e ouça novamente.

Pergunte a si mesmo:

A música ficou mais organizada?

Muitas vezes, um pequeno movimento no controle de panorâmica é suficiente para que dois instrumentos deixem de disputar o mesmo espaço.

Uma curiosidade

Se você observar uma orquestra, perceberá que os músicos não ficam distribuídos de qualquer maneira.

Existe uma organização cuidadosamente planejada.

Os violinos ocupam uma região.

Os violoncelos outra.

As madeiras ficam agrupadas.

Os metais possuem seu próprio espaço.

Essa disposição não facilita apenas o trabalho dos músicos.

Ela também ajuda o público a perceber com mais clareza cada família de instrumentos.

Na mixagem fazemos algo semelhante.

Organizamos os sons para que nosso cérebro possa apreciá-los com mais conforto.

Caixa de Descoberta

A panorâmica não serve para espalhar instrumentos pela música.

Ela serve para criar espaço, equilíbrio e conforto para quem está ouvindo.

Conectando com a próxima descoberta

Até agora, você organizou a importância dos instrumentos através do volume e a posição deles da esquerda para a direita.

Mas ainda existe outro desafio.

Imagine duas pessoas falando exatamente na mesma altura da voz e no mesmo lugar do palco.

Mesmo assim, uma pode esconder a outra.

Como isso acontece?

A resposta está em algo que você não consegue enxergar, mas consegue ouvir.

Cada instrumento ocupa uma região diferente dos sons graves, médios e agudos.

No próximo tópico, você descobrirá que equalizar não significa apenas aumentar graves ou agudos.

Significa criar espaço para que cada instrumento tenha sua própria "voz" dentro da música.

15.5 Quando duas pessoas falam ao mesmo tempo

Imagine que você está em uma sala conversando com um amigo.

Enquanto ele explica alguma coisa importante, outra pessoa começa a falar exatamente ao lado dele.

Os dois utilizam praticamente o mesmo tom de voz.

Os dois falam ao mesmo tempo.

O que acontece?

Muito provavelmente, você terá dificuldade para entender qualquer um dos dois.

Não porque estejam falando errado.

Nem porque estejam falando baixo.

O problema é que as duas vozes estão disputando o mesmo espaço.

Agora imagine outra situação.

Uma criança fala.

Logo depois, um senhor responde com uma voz bem grave.

Mesmo falando ao mesmo tempo durante alguns instantes, é muito mais fácil perceber quem é quem.

Por quê?

Porque cada voz possui características diferentes.

Nosso cérebro consegue separá-las com muito mais facilidade.

Com os instrumentos musicais acontece exatamente a mesma coisa.

Cada instrumento ocupa uma região diferente dos sons que conseguimos ouvir.

Alguns produzem sons mais graves.

Outros trabalham principalmente na região média.

Há também aqueles que se destacam pelos sons mais agudos.

Quando dois instrumentos utilizam regiões muito parecidas, eles podem acabar escondendo um ao outro.

Talvez você já tenha percebido isso.

Às vezes a voz parece desaparecer quando a guitarra entra.

Em outras ocasiões, o piano parece perder definição quando o sintetizador começa a tocar.

Nenhum desses instrumentos está necessariamente alto demais.

O que acontece é que eles estão tentando ocupar o mesmo espaço sonoro.

É justamente aqui que entra uma ferramenta chamada equalizador, ou simplesmente EQ.

Embora o nome pareça complicado, sua função é bastante simples.

Ele ajuda cada instrumento a encontrar um espaço onde possa ser ouvido com mais clareza.

Pense novamente em uma sala de aula.

Se dois alunos resolverem escrever exatamente na mesma parte do quadro, ficará difícil ler qualquer um dos dois textos.

Mas basta que cada um utilize uma região diferente para que tudo volte a fazer sentido.

O equalizador faz algo parecido.

Ele organiza os sons para que cada instrumento tenha sua própria "área de escrita" dentro da música.

Isso não significa modificar completamente o timbre.

Muito menos transformar um instrumento em outro.

Na maioria das vezes, pequenas mudanças já são suficientes para melhorar bastante a clareza da mixagem.

E existe uma descoberta que costuma surpreender quem está começando.

Equalizar nem sempre significa aumentar alguma coisa.

Muitas vezes, o melhor resultado aparece justamente quando retiramos um pequeno excesso.

É como podar uma árvore.

O objetivo não é diminuir sua beleza.

É permitir que ela cresça de forma mais saudável.

Na música acontece exatamente a mesma coisa.

Às vezes, retirar um pouco de determinada região sonora faz com que outro instrumento finalmente encontre espaço para aparecer.

Essa é uma das decisões mais importantes durante a mixagem.

Experimente agora

Abra um projeto na sua DAW.

Escolha dois instrumentos que estejam tocando ao mesmo tempo.

Pode ser:

• piano e voz;

• guitarra e teclado;

• baixo e bumbo.

Ouça atentamente.

Agora desligue temporariamente um deles.

Depois ligue novamente.

Pergunte a si mesmo:

• Em qual momento ficou mais fácil ouvir o outro instrumento?

• Existe alguma região em que os dois parecem disputar espaço?

• Será que ambos precisam ocupar exatamente a mesma faixa sonora?

Você perceberá que muitos problemas de mixagem não são causados pelo volume.

Eles surgem porque diferentes instrumentos tentam falar exatamente no mesmo lugar.

Uma curiosidade

Se observar uma orquestra, você perceberá que dificilmente todos os instrumentos executam exatamente a mesma melodia na mesma região sonora.

Cada família possui uma função.

As cordas graves sustentam.

Os violinos brilham.

As madeiras acrescentam cor.

Os metais criam impacto.

É essa distribuição que torna o conjunto tão rico.

Na produção musical, o equalizador ajuda a construir esse mesmo equilíbrio.

Caixa de Descoberta

Equalizar não significa deixar um instrumento mais bonito.

Significa criar espaço para que todos possam ser ouvidos com clareza.

Preparando a próxima descoberta

Até agora, você organizou:

• quem aparece mais (volume);

• onde cada instrumento está (panorâmica);

• qual espaço sonoro cada um ocupa (equalização).

Mas existe outro desafio.

Alguns instrumentos mudam muito de intensidade.

Em um momento quase desaparecem.

Logo depois ficam altos demais.

Como manter esse equilíbrio sem precisar ajustar o volume manualmente durante toda a música?

É justamente essa a próxima descoberta.

Você conhecerá uma ferramenta chamada compressor.

E descobrirá que ela não serve para "esmagar" o som, como muitos imaginam, mas para ajudá-lo a manter um equilíbrio natural entre os momentos mais suaves e os mais intensos.

15.6 Por que precisamos abaixar o volume durante os comerciais?

Você já estava assistindo a um filme ou a um programa de televisão quando, de repente, começou o intervalo comercial?

Sem que ninguém tocasse no controle remoto, parece que o volume aumentou.

Instintivamente, muitas pessoas pegam o controle e diminuem o som.

Poucos minutos depois, o programa recomeça.

Agora acontece exatamente o contrário.

O volume parece baixo demais.

Então é preciso aumentar novamente.

Provavelmente você já viveu essa situação.

Mas já parou para pensar por que isso acontece?

A resposta está na diferença de intensidade entre os sons.

Alguns trechos são naturalmente mais suaves.

Outros são muito mais intensos.

Quando essa diferença é muito grande, nossa audição precisa se adaptar o tempo todo.

Na música acontece exatamente a mesma coisa.

Imagine um cantor interpretando uma canção.

Em alguns momentos, ele canta quase sussurrando.

Logo depois, chega ao refrão e canta com toda a força.

Essa variação faz parte da emoção da música.

Ela é importante.

Ela deve existir.

Mas, se a diferença entre esses momentos for exagerada, alguns trechos poderão desaparecer enquanto outros chamarão atenção em excesso.

É justamente aqui que entra uma ferramenta chamada compressor.

Apesar do nome, o compressor não existe para "esmagar" a música.

Seu objetivo é muito mais delicado.

Ele ajuda a reduzir diferenças exageradas de intensidade, preservando a naturalidade da interpretação.

Imagine uma estrada cheia de morros.

Alguns são muito altos.

Outros são muito baixos.

Agora imagine uma máquina que suaviza apenas os extremos, sem transformar a estrada em uma reta completamente plana.

Ela mantém o relevo.

Mas torna a viagem mais confortável.

O compressor faz algo semelhante com o som.

Ele não elimina a dinâmica da música.

Ele apenas impede que alguns momentos fiquem exageradamente altos ou exageradamente baixos.

Existe uma ideia muito importante que merece ser lembrada.

Uma música emocionante não é aquela em que tudo possui exatamente o mesmo volume.

Pelo contrário.

A emoção nasce justamente das pequenas diferenças de intensidade.

O compressor não deve eliminar essas diferenças.

Ele deve apenas impedir que elas atrapalhem a experiência de quem está ouvindo.

Talvez você esteja pensando:

"Então devo colocar um compressor em todas as pistas?"

A resposta é simples.

Não.

Assim como qualquer ferramenta da produção musical, o compressor deve ser utilizado quando existe uma necessidade.

Não porque ele está disponível na DAW.

Nem porque alguém disse que toda mixagem precisa dele.

Um bom produtor primeiro escuta.

Depois decide.

Nunca o contrário.

Experimente agora

Escolha uma gravação de voz.

Ouça atentamente.

Procure identificar:

• palavras que quase desaparecem;

• palavras que ficam altas demais;

• trechos em que o cantor parece perder equilíbrio de volume.

Agora aplique um compressor com uma configuração suave.

Ouça novamente.

Pergunte a si mesmo:

• A voz continua natural?

• Ficou mais confortável de ouvir?

• Ainda transmite emoção?

Se a resposta for sim, o compressor provavelmente está ajudando.

Se a voz parecer artificial ou sem vida, talvez seja um sinal de que ele está trabalhando além do necessário.

Uma curiosidade

Pense em um fotógrafo.

Ele ajusta a iluminação para que nem as áreas muito claras fiquem completamente brancas, nem as muito escuras desapareçam.

O objetivo não é tornar toda a fotografia igual.

É preservar os detalhes.

O compressor faz algo parecido com a música.

Ele ajuda a preservar detalhes que poderiam passar despercebidos.

Caixa de Descoberta

O compressor não existe para retirar a emoção da música.

Ele existe para permitir que essa emoção seja ouvida com mais equilíbrio.

Conectando com a próxima descoberta

Até aqui, você aprendeu a organizar os instrumentos de várias maneiras.

Descobriu:

• quem aparece mais;

• onde cada instrumento está;

• qual região sonora ocupa;

• como controlar diferenças exageradas de intensidade.

Mas ainda falta um detalhe muito importante.

Quando você fecha os olhos durante um show, consegue perceber que alguns sons parecem mais próximos e outros mais distantes.

Como criar essa sensação dentro da DAW?

É justamente isso que você descobrirá no próximo tópico.

Você aprenderá que o reverb e o delay não servem apenas para criar efeitos.

Eles ajudam a construir ambientes e profundidade, fazendo a música parecer acontecer em um espaço real.

15.7 Por que uma igreja soa diferente de um quarto?

Feche os olhos por um instante e imagine três lugares.

O primeiro é um quarto pequeno, com cortinas, tapete, cama e muitos móveis.

O segundo é uma sala de aula.

O terceiro é uma grande igreja de teto alto.

Agora imagine que uma pessoa diga exatamente a mesma frase em cada um desses ambientes.

A voz será a mesma.

As palavras serão as mesmas.

Mas a sensação será completamente diferente.

No quarto, a voz parece íntima e próxima.

Na sala de aula, ela se espalha um pouco mais.

Na igreja, parece crescer, viajar pelo ambiente e permanecer no ar por alguns instantes.

O que mudou?

Não foi a voz.

Foi o ambiente.

Sempre que produzimos um som, ele não chega aos nossos ouvidos apenas uma vez.

Uma parte chega diretamente.

Outra parte bate nas paredes, no teto, no chão e nos objetos ao redor, retornando em pequenos reflexos.

Nosso cérebro reúne todas essas informações e, quase sem percebermos, identifica o tamanho do espaço em que estamos.

É por isso que conseguimos distinguir uma conversa dentro de um elevador de uma conversa em um ginásio esportivo.

Os ambientes também fazem parte daquilo que ouvimos.

Quando gravamos um instrumento muito de perto, especialmente utilizando microfones ou instrumentos virtuais, essa informação sobre o ambiente pode desaparecer.

O som fica extremamente limpo.

Mas, às vezes, também parece artificial.

Como se estivesse "solto", sem pertencer a lugar nenhum.

É justamente para resolver essa situação que existe o reverb.

O reverb não serve apenas para criar um efeito bonito.

Sua principal função é dar ao ouvinte a sensação de que aquele instrumento está acontecendo dentro de um espaço.

Pode ser um quarto.

Um teatro.

Uma igreja.

Um estádio.

Ou até mesmo um ambiente imaginário criado pelo produtor.

Perceba como isso muda completamente nossa maneira de enxergar essa ferramenta.

Você não está simplesmente adicionando um efeito.

Está escolhendo em que lugar aquela música acontece.

Imagine um fotógrafo.

Além das pessoas retratadas, ele também escolhe o cenário.

Uma fotografia feita em uma praia transmite uma sensação diferente daquela registrada em uma floresta ou em uma cidade.

O cenário modifica nossa percepção da imagem.

Na música acontece exatamente a mesma coisa.

O ambiente também comunica emoções.

Uma balada romântica pode pedir um espaço amplo e envolvente.

Uma gravação intimista talvez funcione melhor com um ambiente pequeno e discreto.

Nenhuma escolha é absolutamente certa ou errada.

O importante é que ela esteja a serviço da emoção que você deseja transmitir.

Experimente agora

Abra uma gravação de voz em sua DAW.

Primeiro, ouça-a completamente sem reverb.

Depois adicione um reverb bastante intenso.

Em seguida, reduza-o gradualmente até encontrar um ponto de equilíbrio.

Pergunte a si mesmo:

• A voz parece mais próxima ou mais distante?

• Em qual momento ela ficou mais natural?

• O ambiente ajuda a emoção da música ou chama mais atenção do que a própria interpretação?

Você perceberá que, muitas vezes, o melhor reverb é justamente aquele que quase não é percebido.

O ouvinte não pensa nele.

Apenas sente que a música ganhou vida.

Uma curiosidade

Quando arquitetos projetam teatros e salas de concerto, eles estudam cuidadosamente como o som irá se comportar dentro do ambiente.

O formato das paredes, o tipo de madeira, o revestimento do teto e até o tecido das poltronas influenciam a forma como ouvimos uma apresentação.

Na produção musical, o reverb permite recriar parte dessas características, mesmo quando a gravação foi feita em um pequeno estúdio ou diretamente em um computador.

Caixa de Descoberta

O reverb não serve apenas para criar um efeito.

Ele ajuda o ouvinte a acreditar que a música está acontecendo em um espaço real.

15.8 Quando o som responde: descobrindo o delay

Imagine que você está diante de uma grande montanha.

Você inspira profundamente e grita:

— Olá!

Alguns instantes depois, escuta novamente:

— Olá!... Olá!... Olá!...

Esse fenômeno é conhecido como eco.

Ele acontece porque o som percorre uma longa distância, encontra um obstáculo e retorna aos seus ouvidos um pouco mais tarde.

Diferentemente do reverb, que produz milhares de pequenos reflexos quase ao mesmo tempo, o delay cria repetições que podem ser percebidas separadamente.

É como se o som respondesse ao que acabou de acontecer.

Na música, esse recurso pode ter funções muito diferentes.

Às vezes, ele cria a sensação de um espaço maior.

Em outras ocasiões, reforça uma frase importante, acompanha o ritmo da canção ou produz efeitos criativos que se tornam parte da identidade da música.

Imagine um diálogo.

Uma pessoa faz uma pergunta.

Alguns segundos depois, outra responde.

O delay se parece com essa resposta.

Ele não fala ao mesmo tempo que a voz principal.

Ele chega depois.

E justamente por isso pode enriquecer a percepção do ouvinte.

Mas, como acontece com todas as ferramentas da mixagem, existe um equilíbrio.

Se houver delay demais, a música pode perder clareza.

Se houver de menos, talvez a sensação desejada nunca aconteça.

O segredo não está em utilizar muito.

Está em utilizar com intenção.

Experimente agora

Escolha uma frase vocal ou uma nota longa de um instrumento.

Aplique um delay simples.

Primeiro, configure poucas repetições.

Depois aumente gradualmente a quantidade.

Observe:

• Em que momento o efeito começou a enriquecer a música?

• Em que momento passou a competir com ela?

• Qual configuração melhor serviu à emoção da canção?

Perceba que o delay não precisa ser o protagonista.

Quando usado com equilíbrio, ele se torna quase invisível, mas sua presença é sentida pelo ouvinte.

Caixa de Descoberta

O delay não existe para repetir sons.

Ele existe para prolongar emoções, criar movimento e ampliar a sensação de espaço.

Encerrando o Capítulo 15

Se observar com atenção, perceberá que, ao longo deste capítulo, você não aprendeu apenas a usar algumas ferramentas da DAW.

Você aprendeu a enxergá-las como decisões artísticas.

Cada ajuste responde a uma pergunta diferente:

• Quem merece mais destaque? → Volume.

• Onde cada instrumento ficará? → Panorâmica.

• Como evitar que disputem o mesmo espaço? → Equalização.

• Como manter o equilíbrio sem perder a emoção? → Compressão.

• Em que ambiente essa música acontece? → Reverb.

• Como criar continuidade e movimento? → Delay.

Perceba que nenhuma dessas ferramentas existe para impressionar quem está ouvindo.

Todas elas existem para servir à música.

Uma boa mixagem não é aquela em que o ouvinte percebe os efeitos utilizados.

É aquela em que ele esquece a tecnologia e se conecta com a emoção da obra.

Essa talvez seja a maior descoberta deste capítulo.

A mixagem não é a arte de manipular sons.

É a arte de organizar a emoção para que ela encontre o caminho mais bonito até os ouvidos de quem escuta.